Ruchome obrazki

Ogólnie rzecz biorąc, sztuka wizualna zawsze była definiowana jako statyczna, jak zauważył artysta abstrakcyjny Frank Stella w 1998 roku, ale tradycją zawsze było używanie iluzji do tworzenia poczucia ruchu. Historycznie rzecz biorąc, miał rację. Od czasów artystów jaskiniowych z epoki Cro-Magnon, dziesiątki tysięcy lat temu, artyści próbowali tworzyć obrazy świata, który nieustannie pędzi, dryfuje, faluje i przesuwa. Lub, jak to ujęła Stella: Jeśli coś się porusza, w ten sposób można stwierdzić, że żyje.

Wiele z najbardziej zapadających w pamięć obrazów w kanonie przedstawia postacie i zwierzęta w ruchu: Zwycięstwo Samotraki od około 190 p.n.e. , jej draperia powiewała z szybkością lotu; Tycjana Bachus z lat 1520-23, przedstawiony w powietrzu, skaczący ze swojego rydwanu w kierunku Ariadny; Marcela Duchampa Akt schodzący po schodach (nr 2) (1912), jak wielokrotne naświetlenie fotografii chodzącej nagiej kobiety. Ale nawet gdy Stella mówiła, zmiany w technologii dały artystom możliwość zrobienia czegoś więcej: tworzenia nie tylko obrazów, które wydawały się poruszać, ale obrazów, które rzeczywiście się poruszały. Przez ostatnie półtorej dekady coraz częściej badali i wykorzystywali animację – to znaczy tworzyli poruszające się rysunki i obrazy.

Ta historia była częścią naszego wydania z września 2015 r.

• Zobacz resztę numeru
• Subskrybuj

Aby zobaczyć przykład, udaj się do Calgary, gdzie w pobliżu East Village stoi 24-metrowa wieża. Na czterech specjalnie skonstruowanych ekranach LED zamontowanych po bokach, sześć postaci bezustannie przechadza się i przechadza, narysowanych w stylu śmiałych, ale precyzyjnych uproszczeń, tak że choć głowa może być zaledwie kołem, ich ubrania pęczą się i worą w wyraźnie naturalistyczny sposób. Idą w kółko, grupując się i rozdzielając, każdy z indywidualnym chodem: zaktualizowana wersja postaci biegających na greckim wazonie.

To jest Promenada (2012) brytyjskiego artysty Juliana Opie, a metody, które zastosował, obejmowały wzajemne oddziaływanie technologii cyfrowej, mediów fotograficznych i wynalazków graficznych. Najpierw sfilmował poszczególne osoby, a następnie przerysował powstałe obrazy na komputerze, redukując je do oszczędnych, podstawowych konturów.

Promenada Juliana Opie (2012)

Awangardowy świat sztuki powoli przejmował animację – mówiąc ściślej, spóźniony o około sto lat. Pierwszy publiczny pokaz animowanej kreskówki— Biedny Pierrot Charlesa-Émile'a Reynauda, ​​wystawiony w Paryżu w 1892 r. — w rzeczywistości poprzedzał pierwszą taką projekcję filmu (braci Lumière, w 1895 r.). Były jednak powody, zarówno praktyczne, jak i psychologiczne, dla których wysoko postawieni artyści nie przepadali łatwo w Zwariowane melodie.

Animacja była bardzo dużym biznesem i bardziej znaczącym medium, niż pozwalają na to konwencjonalne historie filmowe. Największymi gwiazdami filmowymi lat 30. – a przynajmniej tak twierdził malarz David Hockney – nie byli Clark Gable i Greta Garbo, ale Myszka Miki i Kaczor Donald. Jednak praca w stylu Disneya wymagała ogromnych zasobów: zespołów kreślarzy przy deskach kreślarskich, potężnego studia. A wyniki były uosobieniem tego, do pogardy zachęcano wysokich brwi z połowy XX wieku.

Jednym z najbardziej wpływowych wypowiedzi tego okresu był esej Awangarda i kicz (1939) krytyka Clementa Greenberga. W tej dychotomii sztuką wysoką byli Braque, Miro, Mondrian, Kandinsky, Brancusi, Klee, Matisse i Cezanne. Disney był ewidentnie kiczem (nawet jeśli z perspektywy czasu może być okrzyknięty ważnym artystą). Dlatego też, jeśli artyści tamtych czasów parali się animacją — jak to robił eklektyczny postać Beat Generation Harry Everett Smith (1923–1991) — wyniki prawdopodobnie byłyby zarówno niskie w wartościach produkcyjnych, jak i niefiguratywne w obrazowaniu. Pionierski Smith Film nr 3: Przeplatany (1947-49), na przykład, to migocząca sekwencja podskakujących kolorowych kwadratów i prostokątów. Nie Tom i Jerry ale mobilny Mondrian.

Artyści, krytycy i publiczność muszą zdecydować, czy i kiedy tępa rzeczywistość animowanego ruchu jest ulepszeniem iluzji.

Jakość low-tech utrzymuje się w twórczości południowoafrykańskiego artysty Williama Kentridge'a (ur. 1955), który zbudował ogromną reputację głównie dzięki tworzeniu filmów animowanych. To była seria, którą zatytułował Dziewięć rysunków do projekcji (1989–2003), który naprawdę przykuł uwagę międzynarodowego świata sztuki. W pracach, które dotyczą walki o wolność w epoce apartheidu, pojawiają się dwaj powracający bohaterowie: Soho Eckstein i Felix Teitlebaum.

Określenie, które Kentridge określa na to, co robi, jest znaczące — nie kreskówki, ani nawet filmy animowane, ale wyświetlane rysunki. Jego technika jest specyficzna, a nawet prymitywna. Każdy film składa się ze zmian dokonanych na jednej kartce papieru, która jest rysowana węglem z ograniczoną ilością koloru nałożoną pastelą. Wymazuje część obrazu i przerysowuje, aby stworzyć każdą zmianę i ruch, a następnie wykonuje około 35-milimetrowych klatek obrazu i ponownie go zmienia. Wynik, który często zawiera upiorne ślady niedoskonale wymazanych linii (Kentridge wyjaśnił to po prostu dlatego, że nigdy nie był w stanie dokonać idealnego wymazania), ma niepokojący charakter. Efekt pracy takiej jak jego Feliks na wygnaniu (1994) to nie tyle film animowany, ile ożywiony rysunek: nie zręczny i profesjonalny, ale surowy i szczery, co idealnie pasuje do tematu.

Feliks na wygnaniu przez Williama Kentridge'a (1994)

Ten świadomie rysowany odręcznie wygląd nadal jest atrakcyjny dla artystów tworzących animacje. krótkie cyfrowe animacje Davida Shrigleya, takie jak Bezgłowy perkusista (2012), utrzymane w minimalistycznym stylu, gdzieś pomiędzy kreskówką a graffiti, z surrealistycznym zacięciem. (Dlaczego jego maniakalnie rytmiczny perkusista nie ma głowy?)

Bezgłowy perkusista autorstwa Davida Shrigley (2012)

Punktem wyjścia dla artystycznego duetu, który nazywa się IC-98, pozostaje rysunek. IC-98 ma siedzibę w Turku w Finlandii i tworzą ją Visa Suonpää i Patrik Söderlund, którzy reprezentowali swój kraj na Biennale w Wenecji w 2015 roku. Ich animacje zaczynają się od kolażu i tych czcigodnych narzędzi graficznych, papieru i ołówka.

Obraz jest następnie poddawany manipulacji w Photoshopie; profesjonalny animator, korzystając z narzędzi cyfrowych, dodaje dodatkowe efekty. Rezultatem jest zasadniczo rysunek pejzażowy, który zmienia się bardzo powoli, czasem prawie niezauważalnie, tak jak robi to natura. W ciągu godziny i 10 minut Widok z drugiej strony (2011) stały widok to klasyczny portyk. Gdy na to patrzymy, pory roku przychodzą i odchodzą, liście rosną i opadają, aż w końcu konstrukcja popada w ruinę. To animacja w skali czasu historii i ekologii.

Widok z drugiej strony za pomocą IC-98 (2011)

Inną młodszą artystką, która ostatnio zyskała na popularności, używając domowej roboty odmiany animacji, jest Szwedka Nathalie Djurberg (ur. 1978). Jej najbardziej charakterystyczne prace wykorzystują technikę zwaną animacją gliny lub gliną, w której plastyczne rzeźby wykonane z materiału takiego jak plastelina są zmieniane między klatkami, aby stworzyć efekt ruchu. To medium — świetnie wykorzystane przez Nicka Parka w filmach takich jak Bieg kurczaka (2000) – nie jest tak stary jak animacja poklatkowa, ale pochodzi z 1908 roku. Innowacja Djurberga nie jest techniczna; w rzeczywistości jej ruchome obrazy – podobnie jak Kentridge – mają nierówną, nieoszlifowaną jakość. Nowość polega na dziwacznym i erotycznym charakterze jej tematu: na przykład kobieta z ogromną nadwagą rodząca nosorożca lub niejasna Tygrys liżący tyłek dziewczyny (2004).

Kadry z Tygrysa liżąca dziewczynę w tyłek Nathalie Djurberg (2004)

Od tysiąclecia wielu artystów przyjęło nowszą technologię nie tylko do tworzenia, ale także dystrybucji swoich prac. Od późnych lat 90. oprogramowanie takie jak Adobe Flash sprawiało, że stosunkowo łatwo było być własnym Disneyem – lub przynajmniej własnym Kentridge. Wielu młodych malarzy, zwłaszcza na Dalekim Wschodzie, wykorzystywało takie narzędzia do tworzenia filmów animowanych i umieszczało je w sieci, aby mogła się nimi cieszyć szeroka publiczność. Jednym z pierwszych był Bu Hua (ur. 1973). Z wykształcenia malarka i mieszka w Pekinie, w 2002 roku szybko stworzyła serię filmów krótkometrażowych, w tym Kot .

Pod względem estetycznym Kot zachowuje odręczną ekspresyjną linię, która przypomina Kentridge, a opowieść o wędrującym, bezdomnym, pechowym kocim rodzicu i kociaku ma wzruszające – lub, według gustu, mdłe – emocjonalne cechy. Na stronie Flashempire.com obejrzano ją 633.451 razy, co byłoby niezwykle imponujące jak na dużą wystawę muzealną i jest bezprecedensowe dla młodego i mało znanego artysty (choć, oczywiście, całkiem normalne jak na wirusowy hit w sieci). .

W 2008 roku inny chiński artysta, Cao Fei (ur. 1978), stworzył dzieło sztuki nie w formie filmu animowanego, ale interaktywnego, wygenerowanego komputerowo środowiska: RMB City, które istnieje w internetowym wirtualnym świecie Linden Lab, Second Life . To zarówno dzieło sztuki, jak i platforma, na której można wystawiać kolejne prace, w tym wystawy filmowe i fotograficzne Cao z jej wirtualnym awatarem, China Tracy. Otchłań Ludowa oraz Moda w Chinach Tracy (oba 2009) to dwa przykłady.

RMB City ma wygląd i cechy masowo wieloosobowej gry RPG online (lub MMORPG), ale w grę nie wchodzi żadna gra. Zamiast tego jest to krajobraz równoległy do ​​szybko rozwijających się Chin z początku XXI wieku, w którym wielka hala z Zakazanego Miasta współistnieje z wersją Herzoga i stadionu de Meurona na Igrzyska Olimpijskie w Pekinie, obiekty do teleportacji, wieżowce , a także na autostradach.

Kot przez Bu Hua (2002)

To bardzo dobry czas. Jak zauważył Brian Droitcour w: Forum Sztuki , niewiele prac przyciągnęło tyle uwagi w 2008 roku, nie mówiąc już o pracach w budownictwie (tworzenie RMB City było stale widoczne w londyńskiej Serpentine Gallery). Upływ pół dekady nadał mu wygląd z epoki. Technologia gier poszła naprzód, tworząc coraz większą prawdomówność.

Wszystkie dzieła sztuki zawierają wskazówki co do daty ich powstania. Jednak artyści korzystający z oprogramowania stworzonego do animacji filmowej lub gier cyfrowych mają specyficzne problemy. Za kilkadziesiąt lat nikt nie będzie mógł uzyskać dostępu do oprogramowania i pojawią się inne trudności, których nie przedstawia farba olejna. Jak zauważył Julian Opie, próba wymyślenia technologii to niesamowity ból głowy, która porusza się tak szybko, że do czasu, gdy wszystko rozwiążemy, dość często okazuje się, że ta technologia została wycofana.

Rzeczy zrecenzowane

• Promenada

  Autor: Julian Opie (2012)

• Biedny Pierrot

  Charles-Emile Reynaud (1892)

• Film nr 3: Przeplatany

  Harry Everett Smith (1947-49)

• Dziewięć rysunków do projekcji

  Autorstwa Williama Kentridge'a (1989-2003)

• Feliks na wygnaniu

  Autorstwa Williama Kentridge'a (1994)

• Bezgłowy perkusista

  Autorstwa Davida Shrigleya (2012)

• Widok z drugiej strony

  Przez IC-98 (2011)

• Tygrys liżący tyłek dziewczyny

  Nathalie Djurberg (2004)

• Kot

  By Bu Hua (2002)

• RMB Miasto

  Cao Fei (2008)

• Dawid

  Sam Taylor-Wood (2004)

• Dama Zaha

  Mohammad Hadid
  Michael Craig-Martin (2008)

• Komputerowy portret Laury Burlington

  Michael Craig-Martin (2010)

Niemniej jednak , on i inni artyści wykorzystują technologię – nową i nie tak nowatorską – do tworzenia dzieł, które ich poprzednicy mogli tylko sobie wyobrazić. Na ścianach Szkoły Magii i Czarodziejstwa w Hogwarcie w powieściach o Harrym Potterze znajdują się bardzo niezwykłe portrety; ludzie w nich poruszają się w swoich ramach i mówią. Takie poruszające portrety nie są czystą fantazją. Mamy zdjęcia wideo modelek, takich jak Sam Taylor-Wood Dawid (2004), 67-minutowa kronika śpiącego piłkarza Davida Beckhama. Są też animowane, rysunkowe portrety. Opie stworzył numer, w tym Elena , Maminsynek , Jerzy , oraz Jacek (wszystkie 2014) — ciągłe animacje komputerowe na ekranach LCD, którzy odwracają głowy i mrugają.

Brytyjski malarz Michael Craig-Martin również wykorzystał technologię cyfrową do animowania swoich obrazów, ale w inny sposób: w jego twórczości przekształcenia nie są liniowe, lecz chromatyczne.

Craig-Martin wykonał portret architektki Dame Zaha Mohammad Hadid w tym idiomie dla National Portrait Gallery w Londynie w 2008 roku. Linia portretu nigdy się nie zmienia. Ale kolory nieustannie zmieniają się w zróżnicowany, losowy sposób kontrolowany przez oprogramowanie. Potencjalne kombinacje kolorystyczne są bardzo liczne. Jego Komputerowy portret Laury Burlington (2010) dzieli twarz modelki na dziewięć części – włosy, usta, skóra itp., które powoli przebiegają przez permutacje 44 odcieni kolorów wybranych przez artystę. Opiekunka jest żoną następcy tronu księcia Devonshire, a obraz wisi teraz w Chatsworth House, wiejskim domu księcia, wśród wcześniejszych portretów autorstwa Reynoldsa i Gainsborough.

W 1962 roku David Hockney namalował obraz dwóch mężczyzn zagrożonych przez wielkiego skaczącego lamparta. Drobnymi literkami napisał na płótnie uspokajającą wiadomość: Są całkowicie bezpieczni, to jest zdjęcie. Ale coraz bardziej liczy się w sztuce nie tworzenie obrazów, które wydają się poruszać – jak to miało miejsce od czasów malowideł naskalnych w Lascaux – ale tworzenie obrazów, które rzeczywiście się poruszają. Artyści, krytycy i publiczność muszą zdecydować, czy i kiedy ta dosadna rzeczywistość jest ulepszeniem iluzji. Tury, jelenie i konie na ścianach w Lascaux zostały pomalowane tak, by można je było zobaczyć w migoczącym świetle pochodni, i migotały przy pozornym ruchu. Ponieważ jednak są zamrożone w jednej chwili, każde zwierzę nadal posiada specyficzność, cechę bytu złapany , ta animacja może być trudna do zreplikowania.

Najnowsza książka Martina Gayforda to Spotkanie ze sztuką , napisany z Philippe de Montebello. Jego ostatnia historia dla Przegląd technologii MIT było Oświecone Przestrzenie.

ukryć